Encontrando as palavras: aprendendo a cantar na flauta

Por Annie Wu

Meu objetivo singular naquele verão era aprender o que significava “cantar na flauta”. Naturalmente, procurei cantores. 

Durante três dias, em maio, antes do meu último ano de faculdade, peguei o trem para o norte da Filadélfia para ter aulas com o aclamado barítono Randall Scarlata. Brincamos que ter a voz mais grave treinando o instrumento orquestral mais agudo era como colocar um chapim na jaula com um leão. Nenhum de nós jamais havia feito algo assim antes.

No topo da minha pilha de músicas estava a de Schubert morrem Schone Mülerin, quase uma hora song ciclo sobre a linha tênue entre a paixão e a deterioração psicológica. Notavelmente, o penúltimo song encontra nova vida nas variações virtuosísticas da flauta de Schubert, então eu estava ansioso para tocar uma enxurrada de notas.

Para minha surpresa, nunca toquei flauta naquela primeira sessão. Em vez disso, tropecei nos textos em alemão, as palavras oblongas e volumosas na minha boca. As recitações de Randall, por outro lado, eram surpreendentes – a percussão estrondosa, porém amortecida, da abertura de B no chão ressonante de ä's. Cada palavra continha sua própria música. Enquanto eu passava da tradução do inglês para o alemão, comecei a mapear verbos e substantivos para estruturar. As qualidades emotivas que nascem em cada pronúncia revelaram-se lentamente para mim. 

Voltando à minha flauta, descobri que ela carregava um novo peso. Pela primeira vez, ouvi um texto inerentemente musical vestido com o manto de Schubert. De alguma forma, eu precisava flexibilizar essa dupla interação através do meu instrumento. Como eu pronunciaria Noite na flauta? Posso atrasar o núcleo do meu som para a nasalidade da língua de N tocando o topo da boca? E quanto ao vibrato, respiração ou articulação? Algo sobre essa qualidade “falada” parecia tão íntimo como se eu estivesse espiando o escritório de Schubert enquanto ele musicava cada poema. Caminhando de volta para a estação de trem naquela tarde, senti que havia uma maneira totalmente diferente de tocar meu instrumento. 

No segundo dia, chegamos a uma linha do ciclo que se traduz em “Ela me ama?” O jovem da história olha desesperadamente para o riacho, perguntando a ele - e a si mesmo - se conquistou o afeto da filha do moleiro titular. A música é terna, reflexiva e suplicante da maneira mais suave. Randall me convidou a pensar não apenas no som que poderia usar, mas também na ênfase literal como uma indicação exata do que eu queria dizer. Trabalhando em cada inflexão, observei a história se transformar em minha mente. 

Será que ela me ame?

Ela faz gosta, mim? 

Ela ama mim? 

Como uma pedra preciosa girada ao sol, cada variação mudava o foco da luz de uma certa maneira. A questão passou a ser: como foi I vê esse personagem e esse momento? O que eu estava tentando dizer? 

Minha abertura havia aumentado. Cada escolha – seja sotaque, pausa, marca de respiração ou vibração – pode transformar o significado e o som de uma frase, mesmo sem as palavras. Ou talvez por causa deles. A linguagem, esta ferramenta profundamente específica e expressiva, desbloqueou para mim possibilidades musicais que nunca imaginei antes. Um flautista também pode ser cantor.

Em nossa última sessão, Randall bateu palmas de satisfação, comentando: “Se eu estivesse ouvindo seu disco e colocasse uma agulha aleatória nesta estrofe, saberia exatamente em qual delas você estava. eu pudesse ouvir as palavras." Foi eletrizante. 

Depois daquele verão, voltei para Cambridge com um caminho a seguir. Invadi as prateleiras da biblioteca, brinquei songreservar depois songlivro, ouvi muitos cantores e acabei encontrando uma história específica para escrever minha tese. Fiz arranjos musicais, criei um álbum e realizei shows conceituais e recitais de palestras. Anos mais tarde, depois de refinar essas ideias, ministrei um seminário sobre a relação entre música e palavras para músicos na Juilliard, juntamente com inúmeras aulas particulares delineando minha nova perspectiva.

Dos meus alunos, muitas vezes recebo a pergunta: “Se não disséssemos as palavras, o significado não se perderia? Qual é o objetivo? Eu também fico preso nesses loops, pensando que uma transferência deve ser um-para-um: palavra é igual a nota é igual a significado direto. Perguntar “qual é o sentido” às vezes contorna a própria essência do crescimento, que é, em muitos aspectos, expansão. Em vez de buscar a precisão, explorar essas interseções é mais como uma dança. Um intrincado jogo sempre vivo entre agentes – texto, música, compositor, “cantor”, instrumento e público. Usar palavras como forma de ser específico sobre minhas intenções – como estou jogando e porque – significa que sem dúvida estarei mais comunicativo. 

Diz-se que o poder de expressão da música está na sua abstração da especificidade, no espaço para qualquer um ouvir qualquer coisa. Para mim, a beleza também reside nesta ideia de que ao ser específico nas suas intenções como músico – e ao usar as palavras como ferramenta de pensamento – criamos ainda mais possibilidades de interpretação do público. 

Nós carregamos uma responsabilidade. Não necessariamente para Schubert ou para os nossos professores, mas para nós mesmos como artistas. Para ver a magia dentro de cada nota. Para desenterrá-lo, compreendê-lo, infundir-lhe um novo significado. Traga-o ao mundo. Quão poderoso é nos esforçarmos sempre para nos tornarmos tão convictos quanto possível em nossa história, para que mesmo quando não temos o luxo das palavras, possamos confiar na expansão da música. As pessoas sem dúvida sentirão o que queremos dizer. 

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Para o instrumentista curioso, compilei uma breve lista de princípios e exercícios para você começar sua jornada de exploração de texto-música. 

 Princípios:

• Coloque as coisas na conversa. 

Literatura e música. Dança e música. Arte visual e música. Há um milhão de livros sobre teoria interdisciplinar, mas, essencialmente, pensar sobre como funcionam as diferentes formas de arte pode abrir novos caminhos para a forma como você pensa sobre o seu ofício. Tomemos um exemplo básico da intersecção entre arte visual e música: palavras relacionadas à arte como cor e textura são usados ​​​​na música! O que isso significa sobre como visualizamos o som? Como isso abre a maneira como você pode abordar a criação de diferentes texturas em seu instrumento? 

Palavras representam pensamento. 

Você já sentiu algo borbulhando, mas não tem certeza do que está por vir? E então você se sente melhor quando você escreve no diário ou conversa com um amigo? Bem, as palavras são específicas. Eles permitem que você codifique o que você quer dizer, dê forma aos seus pensamentos. Tenho certeza de que há momentos em que você está jogando e sente que algo não está certo, mas não tem certeza do que está acontecendo. Este pode ser um momento para experimentar alguns dos exercícios da seção abaixo. Pergunte a si mesmo o que esta seção parece para mim? Existe uma história? O que eu quero transmitir? Como usarei a técnica para melhor contar essa história? 

• Resista ao caminho de menor resistência. 

Talvez nem seja preciso dizer, mas algumas frases saem mais fáceis de certas maneiras. Por exemplo, na flauta, uma frase que sobe para o registro agudo e depois desce provavelmente soará primeiro muito mais alto no topo e depois mais baixo no fundo. Não pare por aí! Uma única mudança no local de ênfase da frase pode mudar todo o seu significado. Interrogue o que você quer dizer, como fará e depois coloque em prática. 

• Busque flexibilidade dentro dos parâmetros. Então, tocar flauta significa, é claro, que não posso literalmente “falar” no meu instrumento. E os tocadores de cordas não “articulam” literalmente. Dito isto, com o que você sabe sobre seu instrumento e sua imaginação sobre como você poderia soar, como você pode começar a imitar os padrões e o som da fala? Experimente entrar em uma batida no final, parar uma nota mais cedo, articular com mais força ou vibrar mais tarde. Expanda seu paladar de possibilidades. 

• A especificidade gera expansão. Em última análise, todos esses princípios são uma tentativa de conscientizar o número de escolhas que temos e de realmente fazer uma cada vez que atuamos. Há um ditado no mundo da escrita que diz que “o específico se torna universal”, ou seja, quanto mais você contar sua história do seu jeito, mais as pessoas se identificarão com ela. Eu uso essa mesma ideia no que se refere a brincadeiras inspiradas em textos e histórias. Quanto mais claro você for sobre o que deseja expressar e como o fará, mais seu público ouvirá o que você quer dizer. Mesmo que seja na sua própria interpretação – o que será – garanto-lhe que os resultados serão mais potentes. 

Exercícios:

Diga “eu te amo” de 20 maneiras diferentes (você pode). Este é o meu exercício favorito para fazer com os alunos. O método é o seguinte: imagine uma cena, decida qual técnica você usará para criar aquela sensação, teste. Por exemplo, digamos que você esteja pensando em alguém furioso porque seu amante o ofendeu, ignorando a paixão que foi derramada no relacionamento durante anos. Você pode querer gritar a frase, apoiar-se no “amor” como o sentimento avassalador, acima de todos os outros. Ou digamos que você esteja imaginando um adolescente correndo porta afora antes da escola para pegar o ônibus enquanto a mãe joga para eles um lanche ensacado. Por cima do ombro, eles podem dizer as palavras com indiferença e rapidez. Acostume-se com esse método de definir primeiro a ideia e depois a técnica. 

Assista a vídeos de grandes cantores e ouça músicas vocais. Às vezes, meus amigos cantores brincam que talvez eu seja o único instrumentista do mundo que gosta mais de música vocal. Eu só acho que os cantores têm um caminho mais claro para contar histórias desde o primeiro dia de prática. As palavras são essenciais para eles! Encontre vídeos de grandes cantores e observe como eles se movem, como se posicionam e onde estão seus olhos. Observe como eles respiram e pense em como estão animando o texto. Atuar é uma arte e, às vezes, estando atrás de uma estante de partitura ou focados em nossos instrumentos, podemos esquecer de realmente entregar as frases aos nossos ouvintes. As pessoas têm seus próprios gostos e opiniões sobre os favoritos, mas acho que Vio che Sapete, de Cecilia Bartoli é encantador e Fauré de Barbara Hendricks é de tirar o fôlego. 

Toque uma partitura vocal. Existem muitos deles online ou, se você tiver a sorte de ter acesso à biblioteca de música, poderá navegar nas prateleiras. Bons lugares para começar são songs que funcionam bem em instrumentos (Fauré songs são ótimos e estão em muitas compilações. Schubert funciona extremamente bem. Compositores como Debussy e Ravel são mais difíceis porque tendem a repetir notas em sílabas consecutivas.) Procure uma tradução e escreva as palavras em sua parte para saber o significado de cada nota. Leia o texto original da melhor maneira possível (você pode ouvir online primeiro). Tome algumas decisões sobre o que fazer e onde na partitura. Tente recriar essas inflexões no seu instrumento. E divirta-se!

Traga possibilidades de contar histórias para sua música instrumental. Depois de desbloquear algumas dessas habilidades, você poderá usá-las em qualquer coisa que jogar. O lugar mais fácil para começar é uma peça que já soe muito narrativa (talvez algo com um chamado triunfante no início, ou um amor lírico song). Da mesma forma que você fez com nosso exercício “Eu te amo” acima, pense em uma história, traduza-a para a técnica instrumental e experimente. Claro, não estou dizendo que toda nota precisa de uma palavra, mas certamente é algo que você pode tentar!

Para me divertir, aqui estão alguns exemplos de arranjos vocais que executei. 

• Lieder Mignon de Schumann
• Automne de Fauré
• Voi che sapete de Mozart 
• Les berceaux de Fauré
• Le Fee de Chansons de Fauré

Quer saber mais sobre minhas ideias ou fazer uma aula? Atualmente tenho vagas em estúdios de flauta (remotos ou presenciais no Brooklyn) e também faço sessões únicas. Entre em contato através do meu site!

Lições: https://www.anniewuflute.com/teaching 

Website: www.anniewuflute.com

Redes sociais: Instagram @_annie_wu_

Youtube: www.youtube.com/anniewuflute

Álbum: https://www.anniewuflute.com/album 

Sobre Annie Wu

Sobre a flautista Annie Wu, o Mercury News disse: “Este artista, ao que parece, pode fazer qualquer coisa." Em 2015, Wu ganhou o primeiro prêmio na audição nacional do Astral Artists e se juntou à lista do Astral como um de seus artistas mais jovens. Ela é a vencedora do primeiro prêmio do Concurso de Flauta James Pappoutsakis, do Concurso Yamaha Young Performing Artist, do Concurso Nacional YoungArts, das Audições Nacionais de Artistas Astrais e foi nomeada Bolsista Presidencial em Artes. Como solista de concerto, Wu tocou com a Sinfônica de São Francisco, Orquestra Internacional de Viena, Sinfônica da Califórnia, Orquestra Sinfônica de Kentucky, Sinfônica de West Virginia, Sinfônica de Livermore-Amador, Orquestra Sinfônica de Diablo e Orquestra de Câmara de San Jose, e recitais a levaram ao Jordan Hall de Boston, Strathmore's Mansion e DC's Phillips Collection, entre outros. Apaixonada por vários caminhos da narrativa musical, seus projetos incluem uma encomenda de flauta solo da compositora indicada ao Grammy Anna Clyne intitulada Amarelinha, um álbum narrativo de música vocal para flauta intitulado “They Call Me Mignon”, que ganhou o Prêmio Hoopes de Harvard, e uma flauta beatbox Vídeo do YouTube com mais de 2 milhões de visualizações. Wu mantém um estúdio particular de flauta e foi instrutor convidado na Juilliard School, no Conservatório Real da Bélgica, no Play on Philly, no Sacramento Flute Club e em escolas públicas em todo o país. Formada pelo Programa de Dupla Graduação Harvard-NEC, ela possui um BA magna cum laude em Literatura Comparada pela Universidade de Harvard e um MM pelo Conservatório de Nova Inglaterra, onde estudou com Paula Robison. Atualmente ela mora no Brooklyn, onde ensina, escreve e sai com seus amigos e sua gata Piper.